Conceived and mentored Topic UTOPIA OF A CULTURE, Artistic dialogue project hosted by BcmArte ; Kleiner Salon, Berlin, Germany

FLUX-TENDU, Marco Cechet & Sarah Stein

The synopsis is as follows : two artists, certainly both conceptual and multidisciplinary, but who do not know each other, from different backgrounds, genders and cultures. They must produce a common artwork on a given theme, in a very short time, and with themselves as unique resources... In brief this scenario could easily lead to drama.

In this “exercise in style”, if we aimed for the manifestation of a coalition of cultures through collaborative artistic dialogue, initially it was necessary for each to recognize his or her own identity as individual and as artist - meaning a definition of a specific nationality, reference to Otherness, established relationship with the Berlin territory (saturated with history), eventual impact on each artistic practice, globalized connections to the art world, etc. -

Sarah Stein, Anglo-Canadian and Marco Cechet, Italian, drew from their own physical and mental energy to find a common ground. The composition reveals itself in a fluid yet tense mode, the fruit of constant negotiations. Here we are not speaking about fusional hybridity where cultural identities are directly mixed, rather a semantic shift as a found solution. Some elements of the Japanese culture gave them the necessary breath to rebound: the Haiku as a constructive reflection, connected to the things as an evanescent directive, Judo as an initial philosophy - modesty, respect, sincerity, self-control, courage, and origami as an aesthetic transition to the animal world.

In the metaphorical representations of themselves, the peculiarity of each is read (and binds) with the notion of migration as support. Nomadism is their ally. For Sarah Stein, the hobo is an exemplary figure: gaining freedom while protecting what is precious, especially from the animal kingdom (the Bear in particular) at the same time communicating in codes that only allies are able to recognize. Resistance is the source of creation, not a retreat into oneself. Marco Cechet's goose flies thousands of miles in order to survive. It is the embodied nomad spirit who once it became body confronts a precarious reality but wealth of experiences. The honour is safe.

The drawings that punctuate this exhibition are the subjective and ephemeral testimony of this encounter. Coffee and tea as a medium for an idea of the wildlife: symbol of the enduring adaptation to the environment. It is also an outline of their conversations: the DNA as the essence of life, the cutting as at the beginning of implanting...

The installation shows as well a clever game. The found items, a significant part of this exhibition, are rough looking. Their materialities are different but independent of each other. If one moves, the other collapses. It is in this fragile balance that they find their delicacy.

So if Lévi-Strauss would say: “the diversity of human cultures is behind us, around us and ahead of us”, we can see via the sensitive sensor of the Art, that - beyond any ideal - their relationships can simply be explained through an effective visual narrative defined in a certain space and time.

May. 2014

Marco Montiel Soto - Mundo desinflado

A work of art that is entertaining does not mean it was effortless: quite the contrary.

Undoubtedly, the interpretation of a work of art is often pretentious and risky. However, we cannot deny that we here have a masterful tour de force; Marco Montiel-Soto seems to raise more concerns and questions than ever and we have no other alternative except to let ourselves go. We approach the piece as if going around the world. Or approach it considering it a synopsis of the world?

This not the first time that Marco Montiel-Soto has worked with the theme Mundo Inflable Desinflado. In 2009, it was exhibited as the sound sculpture Eine Verschnaufpause at the Haus Der Kulturen der Welt, (“House of the Cultures of the World”) in Berlin, Germany, flattened and placed on a stand like an ironic modern allegory of the god Atlas who was condemned to carry the weight of the world on his shoulders. However, this was not a portrayal of the god that symbolizes strength or stoic defiance but instead exhibited a different kind of visual strength. The sculpture was accompanied by the sound of the artist’s breath. Thus, the entire process of inflating the globe, then deflating it until flattened, exhausted from the lack of air alludes to the metaphor of a world becoming asphyxiated.  The series of photographs takes it out of context and the white background further accentuates the idea.

At first sight we realize that this inflatable globe is not just any ball. It is the planet Earth!   Creating a work of art with a plaything is quite daring. The artist toys with the globe obliging us to think about the planet. This is how he distorts our first awareness of its geography. The wrinkled globe has gone through a violent transformation: destruction that will lead to rebuilding in the imagination and a fresh interpretation. The world is a basketball, a baseball, a balloon. The terminology referring to the sphere, the circle, the bubble is always linked to the concepts of protection, tenderness, serenity: ultimately the womb. In art history or in architecture, roundness is subject matter for fantasies that go from simple to extravagant.

Around 1503, Hieronymus Bosch painted The Garden of Earthly Delights and through the layout sparks voyeurism. Within these sensual shapes we observe couples caressing.  Intimacy comes into play by way of the roundness.  European leaders (from the Dukes of Borgoña to Louis XIV) commissioned their portraits to be oval shaped, not only out of aesthetics but also as a political strategy to inspire trust. It is the constant return to the beginning of life as can be observed in the sculptures of Venus created throughout history. It is the essence of life; it is Mother Nature. With regard to architecture and depending on the geographic location, the circle as a primary shape is the traditional design of a community.  Consequently, towns are built around the place of worship. The recurrence of circular layouts in the design of utopian cities as well as in the structure of key buildings within them is a key example of the constant search for harmony (T.More, T.Campanella, E.Boulle, C.Nicolas-Ledoux, S.Aurobindo).

Not only the handling of the piece- tortured at the hands of the artist- but also the final product forcibly links us with how we face the world. This work is revealed to us with a disturbing obscenity. Its semblance hinders us from looking at it, contemplating it and   comparing it with the subconscious image of the world globe that we are familiar with.  We discover a facet totally different from the idealistic. We penetrate the visual illusion or better yet, the artist’s vision. Marco Montiel-Soto lets the air out of globe. He smothers it in order to give us a breath of air. Crushed and flattened, it is like a world of changing shapes with no control over its borders. No outlines can be made out. We barely recognize the cardinal points. These are some of the difficulties and the real intention. We can only associate the outlines with our previous knowledge in order to recognize them. It is true orderly chaos! There is order in that each photograph focuses on one specific continent. But here, the evidence of historic and natural borders is disputed. The issue of borders is clearly raised. We understand that the work is based on the denial to illustrate the boundaries of sovereign and territorial jurisdiction that all governments establish. At the same time, we realize there is another intention. Borders constitute the balance between the pressures and powers that separate two countries. The artist turns the idea around and suggests a different solution, an omen. By making the inflatable globe change shape, he is creating a model contradictory to a new apocalyptic symmetry.

Was it once not said that the world is flat? Here, we have the impending proof of its exemplification. From a backward concept, resolved back in the fifteenth century, we arrive to a new concept called globalization, a term that came to being midway in the twentieth century that today defines the world as a place of the rapid exchange of information. In addition, the sharp colors perfectly reflect reality. Any map based on a cartographer’s calculations has traces of subjectivity. The particular phenomenology of the creation of a scientifically calculated geographic map cannot reflect on reality because it is presumably a reflection in the mirror of the history and the experience of the mapmaker.

The principal strength of this work is a paradox in itself.  Its refinement lies in its harsh appearance. Perhaps this allows us to better understand the real meaning of the world and its relative subjectivity and how we perceive the geopolitical and private borders that surround us. The artist’s interpretation transgresses boundaries: in other words, the movement that exists between limits and the limitless. By virtue of its own inexistence, the limitless transcends and rejects compromise and amplitude. We are put at ease with Montiel-Soto’s hazy boundaries with the question posed by Michel Foucault : Does a boundary really exist without the expression that gloriously crosses it and negates it?

Nov. 2010

cita: Michel Foucault, «Préface à la transgression», Critique, no 195-196: Hommage à G. Bataille, août-septembre, 1963.

Marco Montiel Soto's Website

Una obra de diversión no es sinónimo de facilidad. Todo lo contrario.

No cabe duda de que la interpretación de una obra tiene a menudo un carácter pretencioso y arriesgado. Pero no podemos negar la evidencia de que tenemos aquí un “tour de force” magistral parece que Marco Montiel-Soto nos sugiere más valores y preguntas que nunca y no nos queda otra alternativa que dejarnos llevar. Tenemos que darle la vuelta a la obra como unos dan la vuelta al mundo. ¿O dar la vuelta a la obra como sinopsis del mundo?

No es la primera vez que Marco Montiel-Soto trabaja sobre la temática del Mundo inflado desinflado. En el año 2009, lo presentó como una escultura sonora “Eine Verschnaufpause” en la Haus Der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo), en Berlín, Alemania. Aplastado estaba colocado sobre una columna. Como una alegoría irónica contemporánea del dios Atlas que fue condenado a llevar el peso de los cielos sobre sus hombros. Aquí no era una representación del dios simbolizando la fuerza o la resistencia estoica, sino otra potencia visual. La escultura estaba acompañada con el sonido de la respiración del artista. Así, todo el proceso del inflamiento del globo (sin ningún mal juego de palabras), su desinflamiento llegando a su achatamiento, hasta su agotamiento por falta de respiro nos sugiere una metáfora de un mundo en proceso de asfixia. Esta serie de fotografías sirve para sacar del contexto y el fondo blanco acentúa más aún la idea. 

A primera vista reconocemos este balón inflable, no es una pelota cualquiera ¡Es nuestro planeta tierra! Crear una obra con un juego de niños es un acto atrevido. El artista juega con el globo-mundo para hacernos pensar sobre el mundo-globo. Así nos distorsiona nuestra primera toma de conciencia con la geografía. Este mundo arrugado sufrió una transformación violenta, una destrucción destinada a una reconstrucción en lo imaginario, a una interpretación nueva. El mundo es un balón, pelota, globo... Esta terminología relacionada con la esfera, el círculo, lo redondo, la burbuja… siempre está vinculada al concepto de protección, ternura, serenidad... en definitiva, con el útero por excelencia. En historia del arte o en arquitectura, lo redondo es material de utopías que van de sencillas a extravagantes. 

Alrededor de 1503, Jerome Bosch pintaba su “Jardín de las delicias”; gracias a la distribución del cuadro, el artista invita al voyeurismo. Dentro de estas formas orgánicas, vemos a parejas de personas acariciándose. Entramos en lo íntimo gracias a lo redondo. Los gobernantes Europeos (desde los Duques de Borgoña hasta Louis XIV, por ejemplo, en Francia) encargaban sus retratos en forma de óvalo, no sólo por una cuestión estética sino más bien para inspirar confianza, como estrategia política. Más adelante, en arte, Niki de Saint Phalle o Botero prueban, con sus figuras una necesidad hacia lo redondo. Es un eterno retorno al comienzo de la vida, como lo atestiguan las esculturas de Venus creadas a lo largo de la historia humana. Es la esencia de la vida como Pacha mama, la madre tierra. 

Por lo que se refiere a la arquitectura, dependiendo de las zonas geográficas, la forma circular primaria es una estructura tradicional de convivencia, en consecuencia de lo cual el pueblo se desarrolla alrededor del lugar de culto. La recurrencia del plano circular en los pensamientos de ciudades utópicas, como en la estructura misma de edificios claves dentro de estas ciudades pensadas, es emblemática de una búsqueda constante de armonía (T.More, T.Campanella, E.Boulle, C.Nicolas-Ledoux, S.Aurobindo…). 

No sólo el tratamiento mismo de la obra - torturada por las manos del artista - nos relaciona violentamente con nuestra posición frente al mundo, sino también por su apariencia final. Se nos desvela aquí una obra con una obscenidad desconcertante. Su “postura” nos impide mirarla, contemplarla, compararla con la imagen subconsciente del globo-mundo que conocemos. Descubrimos una cara totalmente diferente a la idealizada. Penetramos dentro de esta ilusión visual o más bien dentro de la visión del artista. 

Al mundo, Marco Montiel Soto, lo deja sin aire. Os lo deja sin respiración para darnos otro respiro. Espachurrado, aplastado, es como si fuera un mundo de formas cambiantes sin control de las fronteras. No se distingue ningún trazado. Apenas reconocemos los puntos cardinales. Son algunas de las dificultades e interés mismo de la propuesta. Sólo podemos relacionarlos con nuestra sabiduría previa para tomar conciencia de ellos ¡Es un verdadero caos ordenado! Hay orden en el sentido de que cada fotografía tiene un enfoque sobre un continente específico. Pero la evidencia de las fronteras históricas y naturales están aquí refutadas. Se nos plantea claramente la problemática de las fronteras. Entendemos que la obra se establece en la negación de marcar estos límites de soberanía y de jurisdicción territorial de que cada Estado dispone. Al mismo tiempo, podemos notar otra intención. Una frontera consiste en el balance entre las presiones y las fuerzas que existen entre dos pueblos. El artista invierte la idea, propone otra solución, un presagio. Ejerciendo una fuerza de movilización sobre el balón inflable, está creando un modelo contradictorio de un nuevo equilibrio apocalíptico.

¿Y no se decía que el mundo era plano? Aquí tenemos la inminente prueba de su concretización. Por un pensamiento retrógrado, solucionado desde el siglo XV, llegamos a otro concepto, lo de esta llamada nueva globalización, término inventado a mitad del siglo XX, que piensa un mundo de intercambios más veloz. Por lo tanto sabemos que los intercambios económicos y políticos entre poblaciones siempre han existido. Y la obra podría, en este sentido, poner énfasis sobre una tensión general. Desde un punto de vista conceptual, histórico, político y geográfico.

Además, estos colores ácidos reflejan perfectamente la realidad. Es decir, cada mapa realizado por los cálculos del cartógrafo tiene incontestablemente un matiz subjetivo. Una fenomenología propia de lo que podría ser la manufactura de una carta científica, geográfica, no puede reflejar una realidad, porque supuestamente es un reflejo del espejo que conlleva la historia, la experiencia del ser humano que la trabaja. 

La fuerza principal de esta obra es su propia paradoja, su delicadeza reside en su brutal apariencia. Quizá nos sirve para entender mejor la significación misma del mundo, la de su subjetividad relativa. Cómo uno percibe las fronteras que le rodean, las geopolíticas y las privadas. El gesto del artista experimenta la transgresión del límite. Es decir, el movimiento que existe entre el límite y lo sin límite. Lo ilimitado transciende y rechaza - por su inexistencia misma – la apertura, la plenitud. Los territorios borrosos de Montiel Soto nos reconfortan con esta pregunta de Michel Foucault ¿el límite tiene una existencia verdadera fuera del gesto que gloriosamente le atraviesa y le niega?

Nov. 2010

cita: Michel Foucault, «Préface à la transgression», Critique, no 195-196: Hommage à G. Bataille, août-septembre, 1963.